SPEAK YA CLOUT: Jonatan Erlandsson

Speak ya clout ist eine Serie von Herz-zu-Herz-Gesprächen, die exklusiv bei BSTN Chronicles zu finden sind. Von Insidern der Modebranche bis hin zu Pionieren neuer Wege und kreativen Kräften aus anderen Branchen – die Themen variieren von Gespräch zu Gespräch. Dieses Mal haben wir uns mit Jonatan Erlandsson, Direktor der Mankovsky Gallery in Stockholm, unterhalten.

Dieser Artikel wurde ursprünglich von Christian Trojan für BSTN Chronicles am 10. März 2021 verfasst.

Gebt uns den Elevator Pitch zur Mankovsky Gallery!

In einer Welt, in der die Menschen genau wissen, welche Modemarken sie tragen sollen, ist es ziemlich überraschend, wie wenige wissen, was sie an ihre Wände zu Hause hängen sollten. Wir wollen das Stigma beseitigen, dass Kunst verrückt teuer sei oder man viel Wissen braucht. Kunst muss nicht unzugänglich sein, und man muss keine steife Galerie besuchen, um tatsächlich kaufen zu können, was man möchte. Dort, wo klassische Galerien versagt haben, die nächste Generation einzubeziehen, wollen wir in die Kultur dieser Ära eintauchen und inklusiv sein.

Wir nennen uns die Galerie der nächsten Generation für die Sammler der nächsten Generation, da es unsere Hauptmission ist, jüngeren Menschen die Augen für Kunst zu öffnen. Es gibt einen gewissen Stolz darin, etwas Limitiertes, Numeriertes und Signiertes eines Künstlers an der Wand zu haben. Ich würde diesen Stolz sogar damit vergleichen, das neueste Raffle-Gewinnstück zu tragen.

2020 hat offensichtlich bedeutende Veränderungen für fast alle Geschäftsarten verursacht. Euer Konzept war jedoch ohnehin nicht nur auf physische Räume ausgerichtet. Welche Erkenntnisse habt ihr bisher aus eurem Modell gewonnen und wie wendet ihr diese an, um eure Galerie für die Zukunft zu optimieren?

Ich würde den Aufbau unserer Galerie folgendermaßen erklären: Unser Kunstspace in Stockholm ist für uns entscheidend, um die Grundlage unserer digitalen Kommunikation zu schaffen. Unsere Innenstadt-Galerie ist streng nach Einladung zugänglich. Während andere Galerien ihre physischen Räume als Hauptgeschäftsfokus sehen, haben wir unsere Online-Galerie als Hauptgeschäfts- und Kommunikationsplattform etabliert. Die Wände unseres physischen Raums sind eine Erweiterung unserer digitalen Galeriekommunikation, nicht umgekehrt.

Da wir uns nicht an Öffnungszeiten, physische Ausstellungen oder Personalaufwand wie traditionelle Galerien halten müssen, haben wir seit Beginn steigende Besucher- und Verkaufszahlen in unserer digitalisierten Galerieumgebung festgestellt. Wir haben vor drei Jahren mit der Grundidee der Galerie begonnen, uns aber Zeit genommen, unglaublich talentierte Künstler zu finden. Letztlich haben wir vor nur sieben Monaten eröffnet. Wir lernen jeden Tag, sind aber froh, dass wir uns so stark auf unsere digitale Strategie konzentriert haben, anstatt auf eine physische Galerie.

Aufbauend auf dem Vorherigen: Ein starker digitaler Aspekt eures Geschäfts hilft nicht nur während Lockdowns, sondern macht die Galerie auch für eine zunehmend internationale Kundschaft zugänglicher, oder?

Absolut! Wir sind immer erreichbar und bieten zudem Video- und E-Mail-Beratung für Kunden an, die Unterstützung wünschen. Mit zunehmenden Lockdowns sehen wir ein enormes Interesse von nicht-traditionellen Online-Kunden sowie steigenden Traffic auf globaler Ebene. Die Menschen sind neugierig und gelangweilt – eine kraftvolle Kombination, um Sichtbarkeit zu erzielen.

Ihr habt Kunst als weiteres Element für moderne Konsumenten angesprochen. Da Verbraucher immer präzisere Kaufentscheidungen treffen, wie wichtig ist Branding für Künstler und Galerien in diesem Zusammenhang?

Branding ist alles, von Anfang bis Ende. Ich glaube, es beginnt beim Produkt. In unserem Fall beginnen unsere Kunstwerke lange bevor wir sie in der Galerie präsentieren. Wir arbeiten nur mit den bestmöglichen Partnern für Produktion, Materialien und Logistik. Wir sind auf langfristigen Erfolg ausgerichtet und lassen uns nicht von der Versuchung verleiten, Aspekte unseres Produkts zu vernachlässigen. Es hat ein Jahr gedauert, unser schwarzes Samt-Künstler-Tube zu finalisieren, 20+ Meetings mit Papierlieferanten, um genau das Papier zu finden, das wir verwenden möchten, sowie jahrelange Diskussionen, um die richtigen Künstler zu gewinnen.

Ich habe unglaublich talentierte Kolleg:innen in den Bereichen digitale Kommunikation, Design und Entwicklung, was mir die Freiheit gibt, analog in einer digitalen Welt zu bleiben. Produkt, Marke und Künstlerbeziehungen sind für mich alles.

Wie stehst du zu weniger konventionellen Leinwänden wie Spielzeugen, Skateboards etc., die eine multilayerartige Kombination von Kunstwerken, Künstlern, Marken und Grafiken ermöglichen? Konsumentenfreundlicher Einstieg in zeitgenössische Kunst? Galeriematerial? Oder eher für Wohnzimmerregale und Instagram-Flexes?

Wenn man etwas mit der Absicht schafft, Kunst zu kreieren, ist es per Definition Kunst. In all dem gibt es originelle und einzigartige Kunstkonzepte. Einige liebe ich, andere sind nicht mein Geschmack.

Ich sammele und vertrete, was ich liebe, meistens mit einem tiefen Gefühl von „Ich will das“, eine Kaufentscheidung aus dem Bauch, nicht aus dem Kopf. Ich glaube, Galerien wie wir, 2G Tokyo, professionelle Co-Lab-Konzepte wie Be@rbricks, Künstler wie Murakami, Arsham, Kaws und viele andere sind die wirkliche nächste Welle für den Sammler von morgen.

Wie siehst du die Rolle von Basketball in der heutigen Mainstream-Kultur der Konsumenten?

Heutzutage würde ich sagen: Alles ist Basketball. Vom neuesten Nike-Raffle bis zu den französischen Luxusmodehäusern, die nach Kollaborationsmöglichkeiten mit Marken suchen, die im Einklang mit der Next-Gen-Teen- und Young-Adult-Kultur stehen.

Basketball-Ausrüstung wie Trikots und insbesondere Sneakers sind nicht auf den Court beschränkt, sondern etablierte Schlüsselstücke für den Alltag. Mainstream-Konsumenten sehen Basketball in allem, von Musik bis Videospielen. Ebenso zählen die On-Court-Superstars wie LeBron James wie auch Off-Court-Initiativen, wie die Ernennung von Künstler Daniel Arsham zum Creative Director der Cleveland Cavaliers. Basketball ist heute genauso eine kulturelle Bewegung wie ein Sport. Es beeinflusst das Leben auf vielen Ebenen.

Bleiben wir beim Thema Basketball: Wie und warum kam es zur aktuellen Zusammenarbeit mit Kevin Couliau?

Eigentlich war es Chris „Fu“ Boszczyk bei BSTN, der mich auf Kevin aufmerksam machte. Fu und ich arbeiten an einem gemeinsamen Projekt, das später im Frühling veröffentlicht wird, und während eines Treffens sprach Fu über seinen Freund Kevin, einen großartigen Fotografen und Künstler aus Paris, der um die Welt reist und alles rund um den Basketball dokumentiert.

Ich wusste nicht, was mich erwarten würde, aber nachdem ich Kevins Werke wie „The Iron Throne“, „Heaven’s Gate“ und „Brooklyn Jets“ gesehen hatte, war ich schlichtweg beeindruckt, wie er einfachen Beton, Farbe und Metallreifen in tausend unerzählte Geschichten von Basketballplätzen weltweit verwandeln konnte. Das ist sehr Kevin: Seine Liebe und Hingabe zum Sport sind in jedem Bild spürbar – es ist so viel mehr als nur Fotografie, ein Stück von ihm ist in jedem Foto fühlbar.

Ist es für einen Künstler mit einem so spezifischen Fokus schwieriger, deine Aufmerksamkeit zu gewinnen? Basketball ist für viele von uns bei BSTN die Liebe unseres Lebens (und ich bin sicher, Kevin würde dasselbe sagen), aber schränkt das die Zielgruppe nicht ein?

Kevins Kunst spricht einen sehr spezifischen Typ von Sammler an, das macht ihn zugleich zum Besten in seinem Fach. Die Mankovsky Gallery wurde nicht mit der Idee gegründet, alles für jeden zu vertreten, sondern um einzigartige Künstler zu finden, die absolut besessen von ihrer spezifischen Nische künstlerischen Ausdrucks sind. Kevins Werke führten ihn dazu, den ehemaligen US-Präsidenten Obama beim Basketballspielen zu fotografieren, Kinder in Kigali, Ruanda, und weiter zu Courts in über 60 Ländern. Ich liebe diese Geschichten und glaube, dass viele Menschen sie ebenfalls lieben werden – Basketball-Fans oder nicht.