SPEAK YA CLOUT: Jonatan Erlandsson

Speak ya clout es una serie de conversaciones íntimas y exclusivas de BSTN Chronicles. Desde conocedores de la industria de la moda hasta pioneros de nuevos caminos y fuerzas creativas de otros sectores, los temas varían en cada encuentro. Esta vez, nos sentamos con Jonatan Erlandsson, Director de Mankovsky Gallery en Estocolmo.

Este artículo fue redactado originalmente por Christian Trojan para BSTN Chronicles, el 10 de marzo de 2021.

¡Danos el “elevator pitch” de Mankovsky Gallery!

En un mundo donde la gente sabe exactamente qué marcas de ropa usar, resulta bastante sorprendente lo poco que muchos saben sobre qué poner en las paredes de sus hogares. Queremos eliminar el estigma en torno al arte, esa idea de que es extremadamente caro o que se necesita mucho conocimiento previo. El arte no tiene por qué ser inaccesible, y tampoco tienes que visitar una galería pretenciosa para poder comprar lo que realmente quieres.

Donde las galerías clásicas han fallado en incluir a la próxima generación, nosotros buscamos conectar con la cultura de esta era y ser inclusivos.

Nos llamamos a nosotros mismos la galería de la próxima generación para el coleccionista de la próxima generación, ya que nuestra misión principal es abrir los ojos del público joven hacia el arte. Existe un orgullo especial en tener algo limitado, numerado y firmado por un artista colgado en tu pared. Iría tan lejos como para compararlo con la satisfacción de ganar un sorteo exclusivo de sneakers.

El 2020 obviamente trajo cambios significativos para casi todos los tipos de negocios. Sin embargo, vuestro concepto no estaba centrado en el ladrillo y mortero de todas formas. ¿Qué habéis aprendido de vuestro modelo hasta ahora y cómo lo aplicáis para afinar la galería de cara al futuro?

Explicaría la estructura de nuestra galería de la siguiente manera: nuestro espacio artístico en Estocolmo es vital para establecer la base de nuestra comunicación digital. Nuestra galería en el centro de la ciudad es estrictamente con invitación. Mientras que otras galerías de arte ven su espacio físico como el eje central de su negocio, nosotros hemos puesto el foco en la galería online como nuestra principal plataforma de negocio y comunicación. Las paredes de nuestro espacio físico son una extensión de nuestra comunicación digital, no al revés.

Al no depender de horarios de apertura, exhibiciones físicas y personal como lo hacen las galerías tradicionales, hemos visto un crecimiento constante en visitantes y ventas dentro de nuestro entorno digital desde el inicio. Comenzamos a diseñar los cimientos de la galería hace tres años, pero nos tomamos el tiempo para encontrar artistas increíblemente talentosos. Finalmente lanzamos hace apenas siete meses. Aprendemos cada día, pero estamos contentos de haber apostado tan firmemente por nuestra estrategia digital en lugar de por una física.

Siguiendo con lo anterior: un fuerte componente digital no solo ayuda durante cierres, sino que también hace la galería más accesible para una clientela internacional, ¿verdad?

¡Absolutamente! Siempre estamos disponibles y también ofrecemos consultas por vídeo y correo electrónico para clientes que buscan orientación. Con los cierres cada vez más frecuentes, hemos visto un gran aumento en clientes online no tradicionales mostrando interés, además de un fuerte repunte en el tráfico global. La gente tiene curiosidad y está aburrida. Esa es una combinación poderosa cuando se busca visibilidad.

Has mencionado el arte como otro elemento de colección para los consumidores modernos. Con decisiones de compra cada vez más precisas, ¿qué importancia tiene la construcción de marca tanto para los artistas como para las galerías?

La construcción de marca lo es todo, de principio a fin. Creo que empieza en el producto. En nuestro caso, las obras comienzan mucho antes de exhibirse en la galería. Solo trabajamos con los mejores socios posibles en producción, materiales y logística. Estamos aquí a largo plazo, no vamos a ceder a la tentación de bajar la calidad en ningún aspecto.

Me tomó un año perfeccionar nuestro tubo negro de terciopelo para empaquetar las obras, más de 20 reuniones con proveedores de papel hasta encontrar el que queríamos y años de conversaciones para seleccionar a los artistas adecuados.

Tengo colegas increíblemente talentosos en comunicación digital, diseño y desarrollo, lo cual me da la libertad de ser analógico en un mundo digital. Producto, marca y relaciones con artistas son absolutamente todo para mí.

¿Qué opinas de lienzos menos convencionales como juguetes, tablas de skate, etc., que permiten una combinación de capas entre artistas, marcas y gráficos? ¿Una puerta de entrada al arte contemporáneo para el consumidor? ¿Material de galería? ¿O reservado para estanterías e “Instagram flexes”?

Si creas algo con la intención de ser arte, entonces por definición lo es. Hay conceptos artísticos originales y únicos en todas esas áreas. Algunos me encantan, otros no son para mí.

Yo colecciono y represento lo que me gusta; la mayoría de mis decisiones se toman con un profundo “lo quiero” en mente, una compra hecha desde el instinto y no desde la razón. Creo que galerías como la nuestra, 2G Tokyo, colaboraciones profesionales como Be@rbricks, y artistas como Murakami, Arsham, Kaws y muchos otros son la verdadera próxima ola para el coleccionista del futuro.

¿Cuál es tu visión del papel del baloncesto en la cultura de consumo actual?

Hoy en día, diría que todo es baloncesto. Desde el último sorteo de Nike hasta las casas de moda de lujo francesas suplicando por colaborar con marcas que conectan con adolescentes y jóvenes adultos de la próxima generación.

La ropa de baloncesto, como camisetas y especialmente sneakers, ya no está confinada a la cancha, sino que se ha convertido en piezas clave para el día a día. Los consumidores ven baloncesto en todo, desde música hasta videojuegos. Tanto las estrellas en la cancha como iniciativas fuera de ella, como la contratación de Daniel Arsham como Director Creativo por parte de los Cleveland Cavaliers, refuerzan esta visión. El baloncesto hoy es tanto un movimiento cultural como un deporte. Impacta la vida en muchos niveles.

Siguiendo con el tema del baloncesto, ¿cómo surgió la colaboración actual con Kevin Couliau?

En realidad fue Chris “Fu” Boszczyk de BSTN quien me señaló a Kevin. Fu y yo hemos estado trabajando en un proyecto conjunto que saldrá esta primavera y, durante una de esas reuniones, mencionó a su amigo Kevin, un gran fotógrafo y artista radicado en París, que viaja por el mundo documentando todo lo relacionado con el baloncesto.

No sabía qué esperar, pero después de ver obras de Kevin como “The Iron Throne”, “Heaven’s Gate” y “Brooklyn Jets” quedé asombrado de cómo podía convertir simples aros de metal, pintura y cemento en mil historias no contadas de canchas alrededor del mundo. Eso es muy característico de Kevin: su amor y dedicación al baloncesto se sienten en cada foto, es mucho más que fotografía, es como si dejara una parte de sí mismo en cada imagen.

¿Es diferente para un artista con un enfoque tan específico captar tu atención? El baloncesto es la pasión de muchos en BSTN (y estoy seguro de que Kevin diría lo mismo), ¿pero eso no reduce un poco la audiencia? ¿O no?

El arte de Kevin atrae a un tipo de coleccionista muy específico, y eso mismo lo convierte en el mejor en lo que hace. Mankovsky Gallery no fue fundada con la idea de representar todo para todos, sino más bien encontrar a esos artistas únicos que están absolutamente obsesionados con su propio nicho de expresión artística.

Las obras de Kevin lo han llevado a fotografiar al expresidente de Estados Unidos Barack Obama jugando al baloncesto, niños en Kigali (Ruanda) y canchas en más de 60 países. Me encantan esas historias, y creo que a muchas personas también. Sean fanáticos del baloncesto o no.